MARC PARROT: Ombres de Plata

Hay muchas formas de disfrutar del cine mudo desde nuestros días. Se puede ser un espectador fascinado que accede al cine mudo como a cualquier otro cine, sin importarle durante el momento que se proyecta la película el año en que fue filmada. También se puede ser más curioso y, además de disfrutar como el espectador fascinado, escarbar un poco en la trastienda de ese cine (y en la propia trastienda), que viene a ser lo que hacemos cuando podemos desde este blog. Y también se puede dar nueva vida a ese cine dándole un baño con las propias canciones, pues no todo el cine mudo ha de recordar a música de organillo. Se podrían poner muchos ejemplos de creadores que han utilizado ese material (algún día hablaremos aquí de Bill Morrison y de sus trabajos a partir de nitratos en deterioro, por ejemplo) para hacer nacer algo nuevo. Y recreaciones aisladas como la del videoclip de Julieta Venegas para su tema "Limón y sal". Pero hoy vamos a publicitar un espectáculo que está estrenando estos días el músico Marc Parrot.

Titulado Ombres de plata, es una apuesta consciente por poner en diálogo la música con el ritmo de las escenas del cine mudo (en este caso a partir de películas de Segundo de Chomón que la Filmoteca de Catalunya ha cedido al músico; ¡Bravo también por la institución!), de tal forma que el movimiento de los actores y la propia composición cinematográfica marcan la pauta de cada una de las canciones de Parrot. Por sus declaraciones sabemos que el cine mudo es bastante desconocido para él y que estas escenas las ha descubierto gracias a un amigo. Seguramente ha sido más enriquecedor que el artista haya partido de cero y haya escuchado las imágenes (pues en saber escucharlas ha consistido gran parte de su trabajo).

Todo esto y más puede verse en directo el día 10 de noviembre en el Auditorio de Barcelona y en otras fechas y otros escenarios (véase anuncios de conciertos en la web del artista: www.marcparrot.com). Un aperitivo de la obra y sus intenciones puede degustarse en los siguientes dos vídeos:


Tràiler Ombres de Plata from Cristina Haba on Vimeo.


Molta Cara - Sculpteur Express. Ombres de Plata from Cristina Haba on Vimeo.

MURNAU. LA LUZ INQUIETA

Desde este día, en el que retomamos el blog habrá un enlace permanente en la parte derecha con la portada del libro Murnau. La luz inquieta, principal razón del silencio de este blog en los últimos meses, además de otras cuestiones personales del autor.

El libro se envió a la imprenta el día 11 de marzo de 2011 coincidiendo con el octogésimo aniversario de la muerte de Murnau y estará este abril en las librerías y también podrá adquirirse vía internet en la página de la editorial. Constituye una monografía sobre el artista (mejor aquí este término, pues la colección que lo acoge lo reúne con otros innovadores insólitos del arte en general, como Caravaggio, William Blake, Arnold Böcklin), sus fuentes, los contextos en los que se movió y sobre todo su legado.

Ofrezco a continuación un texto de presentación que en buena parte se acabó utilizando para la contraportada. Un abrazo y seguiremos informando.

Nacido en 1888, el año de la coronación del Káiser Guillermo, Murnau (Friedrich Wilhelm Plumpe) vivió de cerca los frenéticos años de convulsión y vanguardia en el mundo artístico anterior a la Gran Guerra, en sus primeras vocaciones como pintor y hombre de teatro. Como muchos jóvenes marchó con algo de entusiasmo a la guerra, y como la mayoría de los que lograron sobrevivir, volvió de ella con desencanto y con pérdidas personales. En la posguerra fue uno de los puntales del impacto internacional del cine alemán en su época dorada. Conocido por su Nosferatu, llamó la atención de medio mundo con su cámara liberada en El último o Amanecer, película ésta que fue utilizada para defender el cine de imágenes puras ante una llegada del cine hablado que acabó dándole problemas en Hollywood. Sus últimos años buscó una nueva libertad artística en la Polinesia, donde rodaría Tabú, su canto de cisne antes del trágico accidente que le quitó la vida.

Estas páginas revisan la trayectoria personal y profesional de un cineasta con vocación de artista total, que utilizó, según sus palabras, «la cámara como los pintores usan el pincel», para representar en cada imagen su bagaje de fuentes literarias (los vampiros, los pactos con el diablo, las fantasías realistas de Gógol) y pictóricas (los pintores románticos, los grabados de Kerling o Köllwitz o el expresionismo de Munch). Se repasan también los contextos artísticos e históricos de su vida, pero también del teatro o del cine alemán de esos años, de sus referencias pictóricas y literarias y de las versiones que otros artistas han hecho de esas fuentes o de las propias creaciones de Murnau. Y también de su legado y el de sus más íntimos colaboradores (como el guionista Carl Mayer, el fotógrafo Karl Freund o el decorador Rochus Gliese) en el cine de terror de los años 30, en los inicios de directores como John Ford o Hitchcock o en la vanguardia experimental y en general en todo aquel cine más vinculado a la imagen que a la palabra.

LA SOMBRA: UNA EXPOSICIÓN SOBRE UN LIBRO

En 2000 un libro de Victor I. Stoichita publicado por Siruela fue premiado como el mejor libro editado en 1999. En él, Breve historia de la sombra, Stoichita, catedrático de arte de la Universidad de Friburgo, analiza la representación de la sombra en las artes visuales de Occidente, desde la pintura y el dibujo, la fotografía o el cine. Unos años después, en una exposición que puede verse hasta el 17 de mayo, y que cuenta con el propio Stoichita como comisario, se puede seguir el rastro de la presencia de la sombra en la historia de las artes.

Una primera parte de la exposición se sitúa en las salas de exposiciones temporales del Museo Thyssen-Bornemisza. Empieza francamente bien con una primera sala dedicada a varias obras pictóricas con un motivo idéntico: un personaje (casi siempre una mujer) resigue en la pared el contorno de la sombra de otro personaje (casi siempre su amante), una escena que recoge una antigua leyenda sobre la invención del dibujo. La nota pintoresca la ofrece un lienzo del siglo XX que habla del nacimiento del realismo socialista en el que una especie de musa resigue el contorno de Stalin.



Las siguientes salas (donde la exposición va diluyéndose un poco en su discurso y se muestra más irregular) están dedicadas a la presencia de la sombra en el Renacimiento (especialmente la sombra divina y el motivo de la Anunciación) y el Barroco (el tenebrismo, el maravilloso uso de la luz de Georges La Tour o los matices de Rembrandt). La sombra en el siglo XVIII sirve para mostrar las contradicciones de un siglo llamado "de las Luces", donde la sombra juega un papel importante en lo siniestro y en el espíritu romántico; especialmente inquietante es un cuadro de William Holman Hunt, titulado La sombra de la muerte (1870-1873), en el que la sombra de Cristo proyectada sobre un tablón con herramientas de carpintería se convierte en una premonición de su crucifixión. La últimas salas de esta exposición llegan hasta el siglo XIX, el impresionismo y el modernismo a caballo entre dos siglos. Aunque los autores más conocidos de la sala dedicada al "Simbolismo y fin de siglo" son Édouard Vuillard y Félix Vallotton, y sus interiores a la luz de una lámpara, más interesante nos parecen las pequeñas obras de Léon Spilliaert y su homenaje a la ciudad de noche (véase ilustración tras estas líneas). En la sala sobre el "Impresionismo" aparece la sombra en paisajes luminosos de Sisley, Sorolla o Rusiñol, alejada de las tinieblas de otras épocas.





Para seguir con la cronología, tras esta parte de la exposición, la de pago en el Thyssen, hay que trasladarse a la Fundación Caja Madrid, frente al convento de las Descalzas Reales, donde de forma gratuita se culmina el recorrido por la sombra en cinco salas. Las dos primeras están dedicadas a los "realismos modernos" y al surrealismo. Lo mejor de la primera se sitúa en De Chirico, en Carel Willink (especialmente su cuadro El predicador) y en los conocidos lienzos Retrato del dr. Haustein, de Christian Schad (que ilustra la exposición entera y este párrafo), donde una inquietante sombra se proyecta detrás de un doctor en apariencia sosegado, y Hotel Room, de Hopper, una de las más conocidas representaciones de la soledad, que daría título (y no es casualidad) a uno de los trabajos de David Lynch. La sala del surrealismo ofrece obras más o menos conocidas de Dalí, Delvaux o Magritte, pero de mucho menor interés que la anterior.

Detrás de la pared donde se ha colocado un cuadro de Picasso, medio escondidas, aparecen las tres últimas salas. Si nos saltamos una pequeña sobre el pop art, donde sólo destaca un autorretrato de Andy Warhol, accederemos a las salas que más nos interesan para este blog, las dedicadas a la fotografía y el cine. En la fotografía, junto a la obra de Ramón Masats, Francesc Català-Roca o Dorothea Lange, o la espléndida serie sobre una acróbata realizando ejercicios en una silla sin sombra de Sam Taylor-Wood (Silla de Bram Stoker, 2005), aparecen las experimentaciones de Man Ray, algunas de las cuales, como las sombras que se proyectan a través de una ventana en un torso de mujer, son fotogramas de algunos de sus trabajos cinematográficos en el seno de las primeras vanguardias, en concreto, en el ejemplo señalado, como parte de Le retour à la raison (1923).

Si señalo especialmente este hecho es porque ésta es una de las muchas lagunas que ofrece la parte dedicada al cine. En el montaje de 65 minutos que se ofrece en esa sala se ponen escenas del primer El estudiante de Praga, del Caligari, de Nosferatu, de Sombras de Robison, o de las siluetas de Lotte Reiniger, hasta llegar a Greenaway y Tarantino, pasando por alguna cosa de Hitchcock, el Scarface de Hawks, El tercer hombre de Carol Reed o Iván el Terrible de Eisenstein, o unos pintorescos usos de la sombra en el cine de Woody Allen. El responsable del montaje está demasiado embelesado por el expresionismo y se olvida de otras referencias obvias como el cine danés (débilmente representado por Vampyr de Dreyer, en la foto inferior, que ni siquiera es una producción danesa), o el cine francés de los años 20 (¿dónde están L'Herbier o Epstein, por ejemplo?). Está claro que eso hubiera alargado la proyección, pero también se podría haber solucionado con la exposición de fotogramas en esa u otra sala (el piso superior de la Fundación estaba vacío).



Lo que digo no sólo ocurre con el cine mudo. Si hay un cine apenas representado en ese montaje, y que es el más obvio de todos en el uso de las sombras, es el cine negro. ¿Dónde está, por ejemplo, Detour? Tampoco parece que sea muy aficionado al cine de terror sonoro (aunque la muestra de La mujer pantera es ciertamente exquisita), ni que se haya preocupado en buscar muestras de los años 50 y 60, ausentes. Parece excesiva la presencia de Greenaway y más que anecdótica la muestra de cine contemporáneo más allá de él, con una pelea de Kill Bill. Seguro que en autores actuales con muestras de cine en blanco y negro, como Béla Tarr, tendría más de un ejemplo. Más allá de estas lagunas en la sala de cine y las irregularidades de discurso que presenta la parte pictórica, no hay duda que se trata de un exposición interesante y muy pensada, donde más allá de la exhibición de obras célebres, que las hay, se da una invitación a la reflexión sobre la repetición y reinterpretación de ese motivo en las artes y, desde luego, a devorar el libro del que parte esta exposición.

Nuevo diseño / Nuevo especial: THE WIND

A raíz de una sugerencia en la reciente entrevista en Recanto Silente y de otras llegadas a mi e-mail, sobre si era posible hacer más legible el blog, hemos introducido algunos cambios en su aspecto, especialmente en el color de fondo de la página y en el tipo de letra. Espero haber complacido a todos ellos.

También a raíz de esa entrevista, surge una nueva convocatoria de un especial abierto a vuestra participación, dedicado a El viento (1928, The Wind) de Victor Sjöström.

Abro desde ya este especial hasta el 11 de septiembre. Serán publicados entre septiembre y octubre, y tendrán un artículo especial el día 10 de noviembre, con motivo de los 80 años del estreno de la película. Los interesados pueden enviarme sus artículos (desde un texto de homenaje o un pequeño ensayo), o un dibujo o lo que os llame a expresar sobre la cinta, al e-mail del perfil.

Gracias de antemano por vuestra participación y sugerencias.

CHAPLIN EN IMÁGENES II: VISITA A LA EXPOSICIÓN

En un post anterior (aprovecho para disculparme por la demora en publicar) anuncié la presencia en Barcelona (que más tarde viajará a otras latitudes españolas) de una exposición sobre Chaplin, con fotografías, fragmentos de películas y otros materiales diversos. Ya dije que tenía pendiente una visita personal a esa exposición, visita que finalmente he podido realizar y de la que aquí ofrezco una pequeña descripción y valoración.

Para quien está familiarizado con las ediciones que Mk2 lanzó hace tiempo en el mercado en DVD de las películas en Chaplin (editadas en un estuche blanco y una tipografía atractiva) y con los suculentos extras que incluían los DVD de acompañamiento, esta exposición no le reportará demasiados materiales estrictamente inéditos. Están aquí documentos como las películas amateur que Chaplin hacía entre su familia y amistades, ya en sus últimos años en Suiza, o las que realizaba en los rodajes, como una titulada How to Make Movies (1918), que aparecía en el DVD de El chico. También documentos curiosos como unos minutos en color del rodaje de la escena del baile en El gran dictador. Para quienes hayan visto estos materiales sí que son novedosos el conjunto de portadas de revistas de varias décadas y de diversos puntos del globo en el que se documenta la muy temprana popularidad y universalización del mito. También su influencia en otros artistas y en otras manifestaciones populares, como los pequeños tesoros expuestos en vitrinas procedentes de la colección suiza que custodia el legado personal del artista. Resultan entrañables también algunos montajes de fotogramas y rótulos en pequeño formato, presentados como si fueran un cómic en blanco y negro.

Lo mejor de la exposición es la forma de presentar los materiales, agrupándolos en aspectos que ayudan a reflexionar sobre su arte y sobre su influencia. Desde los elementos que ayudan a configurar su personaje (el bombín, el bigote, el bastón...) o la imitación (cuando no el plagio) que algunos coetáneos hacen de él hasta los motivos de su universalización; también aparecen aspectos de su técnica actoral, su trabajo con los gestos y con las coreografías (aspecto este último que está representado con la proyección simultánea en tres pantallas gigantes de fragmentos de pequeñas películas), hasta su labor de director y en especial su relación con la política (especialmente la caza de brujas y el exilio) y con la irrupción del sonido. Su defensa del cine mudo y su escepticismo frente al cine hablado está representado en una sala con la proyección del número de Tiempos modernos en que Charlot tiene que improvisar una canción, cuya letra hecha con palabras de diversos idiomas, cuando son palabras reales, el visitante de la exposición puede leer en un panel lateral.

Quizá sabe a poco su recorrido, que a veces pierde la linealidad cronológica, pero sin duda da pinceladas didácticas y entretenidas sobre los aspectos más interesantes de Chaplin.

CHAPLIN EN IMÁGENES. Exposición (I)

Hasta el 27 de abril puede verse en el CaixaForum de Barcelona, y más tarde en Madrid, la exposición Chaplin en imágenes, que reúne un gran conjunto de materiales gráficos (fotografías, carteles), documentos varios y extractos de películas, algunas inéditas (imagino que muchas de ellas presentes como extras en DVD). De ella informaremos en detalle cuando la agenda me permita visitarla.

De momento, dejo esta noticia y la acompaño de otra información: junto a la exposición se celebrarán a partir del 7 de febrero una serie de conferencias, las siguientes:

Jueves, 7 de febrero:

De Charlot a Chaplin: vanguardia y humanismo, por Vicente Sánchez Biosca, historiador del cine.

Jueves, 14 de febrero:

Una poética del esbozo. Estética del cine de Charles Chaplin, por José Luis Guerin, cineasta.

Jueves, 21 de febrero:

La mirada cómica y el cine de Charles Chaplin, por Augusto Sainati, profesor de semiótica en Nápoles.

Jueves, 28 de febrero:

Chaplin: entre los siglos XIX y XXI, por David Robinson, biógrafo de Chaplin.

Jueves, 6 de marzo:

El bigote y la voz. Reflexiones sobre "El gran dictador", por Jean Michel Frodon, director de Cahiers du cinéma.

Jueves, 13 de marzo:

El compromiso social de Chaplin. Del "New Deal" a McCarthy, por Esteve Riambau, historiador del cine.

También se proyectará El chico, el día 9 de febrero, con acompañamiento musical de violín, viola y piano.

UN AÑO DE "PASIÓN SILENTE"

Hoy, 16 de noviembre, hace exactamente un año que iniciamos nuestra andadura, aunque bien pudiera decirse que este blog ha tenido dos nacimientos: uno, en la citada fecha, y otro en la primavera del presente año, pues el blog estuvo interrumpido unos meses por unos asuntos personales, concretamente una boda. En todo caso, ahí está la fecha de partida.

Este espacio nació con la idea de poner un poco de orden en mi pasión por el cine silente, viendo y divulgando películas dentro de un contexto o al hilo de algún evento, ya fuera como reseña de un ciclo de la Filmoteca, la lectura de un artículo o el visionado privado de una serie de películas. Creo que, en especial en esta segunda etapa, este blog va en la dirección deseada, aunque últimamente la falta de tiempo hace que mis reseñas y artículos se hagan más espaciados. Me consta que algunas de las cosas que he presentado en este blog (todo textos originales, algo no siempre frecuente) han interesado a muchos, aunque no lo hayan hecho notar siempre en los comentarios, sino en varios e-mails personales o en otros lugares con los que este espacio dialoga de alguna manera (unos se citan a otros y salen beneficiadas las películas y las ideas que generan). Me han hecho feliz igualmente las amabilidades y colaboraciones de otros responsables de blogs y foros como el entusiasta que me escribe de lugares como Costa Rica, Chile o Argentina, así como las amistades que me han hecho caso por fin con el tema de ponerse a ver estos filmes y algunos han adquirido hasta adicción. También me consta que he contribuido con algunas ideas y bibliografía que me amablemente me han pedido vía e-mail, como el caso de un investigador con una beca en Dinamarca, una de las cinematografías mejor tratadas en este espacio y valoradas por los lectores.

Para el próximo 16 de noviembre espero suplir las posibles carencias que este blog tenga (por ejemplo, algunas secciones que he anunciado y que no siempre tengo tiempo de desarrollar, como la de los libros) y haber fomentado un mayor diálogo (espero con mayor frecuencia vuestros comentarios y vuestros e-mails, con reflexiones o ideas de ciclos, temas, etc.) con las visitas, que no he cuantificado, aunque entienda que los contadores puedan ser una herramienta para valorar en número la repercusión de una labor. La mía está bien pagada con lo que ofrece, con lo que puede llegar a ofrecer y con las respuestas que recibe.

De momento, seguiremos con los italianos y en concreto con Los últimos días de Pompeya, a ver si puede ser para la próxima semana.

Un abrazo a todos.

MÉLIÈS RECUPERADO

La Filmoteca de Cataluña ha presentado en el mediodía de este 27 de septiembre cuatro cortos inéditos de Méliès, que la propia institución se ha encargado de restaurar. Los cortos son: Évocation spirite (1899), que corresponde al fotograma anterior, La Pyramide de Triboulet (1899), L'artiste et le mannequin (1900) y Éruption volcanique à la Martinique (1902), coloreada a mano y representada por el siguiente fotograma.

El estreno internacional de estas películas tendrá lugar en Sitges el 4 de octubre en la inauguración del Festival Internacional de Cine de Catalunya 2007. Antes, en un vídeo de 2' 6'' colgado en Vilaweb, pueden verse fragmentos de estos cortos:

http://www.vilaweb.tv/?video=4963

• Agencia EFE, reproducido por las noticias de Yahoo: http://es.noticias.yahoo.com/efe/20070927/ten-filmoteca-cataluna-recupera-cuatro-f-122d698_1.html
• Noticia en La Vanguardia: http://www.lavanguardia.es/lv24h/20070927/53397598443.html

UNAS SEMANAS DE LETARGO Y VACACIONES

Hola, lectores asiduos o esporádicos

Este espacio se tomará un respiro (ya llevo algo más de una semana de silencios) hasta aproximadamente el 16 de septiembre, por motivos laborales y personales (un viaje). A nuestro regreso, volveremos con análisis específicos de cortos y largos de los cómicos presentados en el anterior artículo y hablaremos de la etapa italiana de Chomón. También iniciaremos un apartado dedicado a algunos libros importantes consagrados al cine mudo: el primero de ellos será Film Till Now (El cine hasta ahora) de Paul Rotha, publicado por primera vez en 1930, que puede encontrarse en librerías de segunda mano a través de la página de la entidad en que se asocian: iberlibro.com. Intentaremos acercarnos con entrevistas a personalidades que trabajan de algún modo al cine mudo desde muy diversas facetas.

Una de las cosas más inmediatas que haremos a nuestro regreso será un especial dedicado a Amanecer (1927) de Murnau, que publicaremos el día 23 de septiembre. Ese día se celebrarán 80 años del estreno en Estado Unidos de esta obra clave del cine mundial, no sólo del mudo. Para este especial pido desde ya la colaboración de mis lectores para que me envíen un texto (desde unas pocas líneas a un artículo) en el que quede plasmada su experiencia personal con esa película, lo que le ha podido aportar o las sensaciones que le despertaron en el momento o los momentos en que ha podido verla. Me gustaría publicar ese día un repertorio de testimonios (no necesariamente positivos) sobre el filme. Me gustaría recibirlos hasta el día 21 de septiembre. El e-mail aparece en el perfil.

Gracias a todos por leer estas y las demás líneas del blog y por los comentarios, que tanto me llenan.

Hasta pronto

NUEVO CICLO: CINE MUDO ITALIANO

Después de haber visitado las frías tierras (que no frías cintas) de Dinamarca, pasamos a la cinematografía de un país del Mediterráneo en uno de sus momentos dorados: el cine mudo italiano. Al igual que el cine danés, tuvo su mayor período de esplendor en los años inmediatamente anteriores a la Gran Guerra (con los peplum, con las divas, con las aventuras de Maciste, con la vanguardia, especialmente el futurismo), resistió durante los años de conflicto y entró claramente en crisis en la década de 1920.

A diferencia de cómo abordamos el cine danés, este ciclo que iniciamos ahora tendrá un desarrollo cronológico más marcado, salvo imprevistos.

El ciclo constará de los siguientes títulos o temas (dos de ellos ya han sido analizados en el blog y ofrecemos aquí su enlace):

1909
Nerón, de Luigi Maggi

1910
El mercader de Venecia / El rey Lear de Gerolamo Lo Savio

1910-
Cortos de Cretinetti
Cortos de Tontolini

1911
L’Odissea, de Giuseppe De Liguoro, Adolfo Padovan y Francesco Bertolini

L’Inferno, de Giuseppe De Liguoro, Adolfo Padovan y Francesco Bertolini

1912
Quo Vadis?, de E. Guazzoni
Romeo y Julieta, de Ugo Falena

1913
Los últimos días de Pompeya, E. Rodolfi y M. Caserini
Spartaco, de Giovanni Enrico Vidali
Ma l'amor mio non muore, de Mario Caserini
Tigris, de Vincenzo Denizot

Chomón en Italia
Più forte che Sherlock Holmes, de G. Pastrone
Vittoria o morte!, de G. Pastrone

1914
Cabiria, de G. Pastrone
Saturnino Farandola, con Marcel Fabre

1915
Maciste, de Vincenzo Denizot
Rapsodia satanica, de Nino Oxilia
Assunta Spina, de Gustavo Serena y Francesca Bertini
La dama de las camelias, Gustavo Serena


1916
Effetti di luce, Lucio D’Ambra
Thais, Antón Giulio Bragaglia
Cenere, Febo Mari y Arturo Ambrosio

1917
Malombra
Cristo, de G. Antamoro

La guerra e il somno di Momi, de G. Pastrone y Segundo de Chomón

1918
Fabiola, de E. Guazzoni

1920
La Storia di una donna
Inamorata
Il miracolo, de Mario Caserini
Ilustre attrice cicale formica, de Lucio D’Ambra

1921
L’uomo meccanico, André Dreed
Il quadro di Osvaldo Mars, de Guido Brignone
La Nave
Napoli è una canzone

1922
Messalina, de Enrico Guazzoni

1924
Maciste imperatore

1925
Maciste contra lo sceicco, de Mario Camerini

1926
Maciste en el infierno, de Guido Brignone
Maciste nella gabbia dei leoni, de Guido Brignone

Los últimos días de Pompeya, de Carmine Gallone y Amleto Palermi

1927
Addio Giovinezza
Frate Francesco, de Giulio Antamoro

1928
Kiff Tebi, de Mario Camerini

FERDINAND VON GALITZIEN ENTREVISTA A GÜNTER A. BUCHWALD

Hace unos meses publicamos en este blog un artículo sobre los pianistas en el cine mudo. Aún sigue habiendo maestros en el arte de ejecutar piezas para piano específicas para película mudas, como Joan Pineda o el alemán Günter A. Buchwald. Precisamente este último es objeto de una entrevista a cargo de Ferdinand von Galitzien en su blog de referencia sobre cine mudo, entrevista publicada tanto en alemán como en inglés.

http://ferdinandvongalitzien.blogspot.com/2007/07/ein-gesprch-mit-herrn-buchwald.html

CINE DANÉS II

Tras haber publicado hace unas horas el último título previsto en el seguimiento del ciclo de la Filmoteca de Catalunya, este blog considera que un repaso a los clásicos del cine danés debería tener algunos otros filmes que no fueron incluidos en la programación de esas sesiones y que analizaremos en estas próximas dos o tres semanas.

Así veremos los primeros pasos de la cinematografía danesa, todavía en los tiempos de la aparición del cinematógrafo, con el trabajo de Peter Elfelt y de otros pioneros; analizaremos la presencia de actores como Asta Nielsen o Valdemar Psilander en algunos títulos relevantes; seguiremos la trayectoria de algún director olvidado por el ciclo de la Filmoteca, como Alfred Lind, o títulos no incluidos en él de directores que sí han tenido su representación en esas sesiones, como Holger-Madsen, Eduard Schnedler-Sorensen y, sobre todo, Benjamin Christensen, como ese espléndido festival de imágenes que es La brujería a través de los tiempos, uno de cuyos fotogramas sirve para ilustrar este anuncio.

Aprovecho estas líneas para hacer un preaviso de intenciones para los próximos meses. Aunque ya se darán detalles y listado completo de películas analizadas, después de los daneses espera al lector de este blog un amplio repaso por la cinematografía italiana (otra de las grandes anteriores a la Gran Guerra) y otro ciclo dedicado a, sin duda, el actor más mítico del período silente: Lon Chaney.

35 AÑOS DE "DIRIGIDO POR..."

Estos días se celebran 35 años de la creación de una de las revistas de cine más veteranas del panorama editorial en nuestro país. Un guarismo un poco extraño para celebrar, pero que coincide con un proceso de renovación de la revista en cuanto a sus colaboradores. Bienvenida sea la celebración pues viene acompañada de un interesante dossier en dos partes (mayo y junio) sobre Fritz Lang, con casi todos sus títulos analizados en detalle, que viene a mejorar, por su carácter coral y el número de páginas dedicado, a la lejana monografía que se le dedicó al director en los inicios de la revista.

También hay programada en la Filmoteca de Catalunya una mesa redonda el día 29 a las 19 h, con motivo de un ciclo en sus salas en las que se programará:

1942- El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons. Orson Welles)
1950- Stars in My Crown (Jacques Tourneur)
1954- La ventana indiscreta (Rear Window. Alfred Hitchcock)
1955- La palabra (Ordet) (Ordet. Carl Theodor Dreyer)
1956- Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps. Fritz Lang)
1958- Cenizas y diamantes (Popiól i diament. Andrej Wajda)
1958- Drácula (id. Terence Fisher)
1958- Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love, A Time to Die. Douglas Sirk)
1959- Río Bravo (id. Howard Hawks)
1960- El apartamento (The Apartament. Billy Wilder)
1960- Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli. Luchino Visconti)
1968- La semilla del diablo (Rosemary’s Baby. Roman Polanski)

1976- Casanova (Il Casanova di Federico Fellini. Federico Fellini)

1976 -Taxi Driver (id. Martin Scorsese)

Aunque algunas de ellas, por ejemplo la última, contienen muchos momentos construidos desde el silencio, no hay incluido ningún título de la época silente. Y eso, a pesar de que la revista se ha destacado en muchos momentos de su historia por recuperar títulos, actores y directores del pasado, mediante estudios específicos sobre una personalidad o panoramas acerca de géneros o temas. Fue sobre todo una tarea más de sus inicios, cuando dedicó una serie de interesantes estudios a la formación de los géneros cinematográficos o a la de las productoras clásicas que ya tuvieron vida en el silente. También ha dedicado monografías a directores como Cecil B. De Mille (espléndido dossier de Miguel Marías), Tod Browning, Raoul Walsh, el mencionado Fritz Lang, King Vidor, John Ford... o ha reconocido la autoría en sus producciones como actor de los cómicos del cine mudo, como Harold Lloyd, Chaplin o Keaton. Quizás resulte extraño que en 35 años no haya habido una monografía sobre Murnau, aunque sí artículos específicos sobre algunas de sus obras, ya sea en el repaso a los mejores títulos de un género, ya con motivo del lanzamiento de un DVD. El cine silente también se ha colado últimamente en secciones muy interesantes consagradas al estudio de una escena en particular o a la recuperación de títulos olvidados (y no sólo del cine mudo).

Esperemos que la celebración ayude a recuperar en "Dirigido por..." las constantes que hacen de sus primeros números objeto de culto y de búsqueda para el coleccionista: el gusto por introducir de vez en cuando más estudios consagrados a lo que no está necesariamente a punto de salir en el mercado en DVD, sino en la retina de críticos que, me consta, ven mucho cine.

LLEGAN LOS DANESES...

Ya dijimos, con motivo de nuestra noticia sobre la exposición que ponía en relación en Barcelona las obras de Hammershoi y Dreyer, que pronto vendría un ciclo a la Filmoteca de Catalunya sobre el cine mudo danés para conmemorar los 100 años de la Nordisk. Pues bien, a partir del lunes 23 de abril están aquí los daneses.


La lista de películas programadas es la siguiente:

• Atlantis (August Blom, 1913)


• Den hvide slavinde / La esclava
  blanca (Viggo Larsen, 1907)


• Den hvide slavehandel / El tráfico de esclavas blancas
  (August Blom, 1910)


• Den hvide slavehandels sidste offer / La última víctima
  del tráfico de esclavas blancas (August Blom, 1911)


• Det hemmelighedsfulde X / La X misteriosa
  (Benjamin Christensen, 1913)


• Klovnen / El payaso (A. W. Sandberg,
  1926)


• Blade af Satans bog / Páginas del libro de
  Satanás (1920) de Dreyer


• Himmelskibet / La nave del cielo / Viaje a Marte (Holger-
  Madsen, 1918)


• En kunstners gennembrud
  / El descubrimiento de un artista (Holger-Madsen, 1919)


• Evangeliemandens liv / El evangelista
  (Holger-Madsen, 1915)


• Flugten fra seraillet / La fuga
  del serrallo (Viggo Larsen, 1907)


• Bedraget i doden / Engañado a muerte (Eduard Schnedler-
  Sorensen, 1911)


• Maharadjahens yndlingshustru / La favorita del marajá
  (Robert Dinesen, 1917)


• Nedbrudte nerver / Con los nervios crispados
  (A. W. Sandberg, 1923)


• Store forventninger / Grandes
  esperanzas (A.W. Sandberg, 1921)


• Afgrunden / El abismo (Urban
  Gad, 1910)


• Ekspeditricen / La expendedora (August Blom, 1911)

Viendo la lista, es una grata sorpresa ver en ella títulos de difícil visionado como Himmelskibet (1918) de Holger-Madsen (ver foto adjunta), considerada la primera space opera, que será proyectada el 1 de mayo; o las primeras películas de Blom o de Viggo Larsen, aunque de este último se echa en falta algunos títulos importantes, los que contribuyeron al éxito de la Nordisk; no en vano, fue al principio uno de sus directores más relevantes. También es una nueva ocasión para ver las Páginas del Libro de Satán, de Dreyer, La X misteriosa de Benjamin Christensen o El abismo de Urban Gad, con la gran estrella del cine danés: Asta Nielsen.







Para la programación relativa a este ciclo, puede consultarse los siguientes enlaces a documentos pdf:

• programación (días y hora de proyección)


• suplemento especial de la Filmoteca de Catalunya

HAMMERSHOI Y DREYER (Exposición en Barcelona)

Los daneses, puede decirse, "inventaron" la luz cinematográfica. Eso es algo que podrá constatarse dentro de unas semanas en un ciclo dedicado en la Filmoteca de Cataluña al cine mudo danés en conmemoración en 2006 de los cien años de su más señera productora, la Nordisk. En ese marco se inscribe una exposición presente en Barcelona, en el CCCB, hasta el 1 de mayo de 2007 y que pone en relación el mundo pictórico de Vilhelm Hammershoi y el cinematográfico de Carl Theodor Dreyer, uno de los directores en los que más continuidad hay entre su obra muda y su obra sonora.

Conociendo la obra de Dreyer, o haciéndose una idea en los breves fragmentos proyectados en el museo, el asistente a la exposición puede ver relaciones intensas con los cuadros de Hammershoi, un autor nada conocido en nuestro país y que merece por sí solo la visita. De hecho, es la estrella de la exposición por cuanto de Dreyer en sí, salvo una serie de mecanoscritos y los fragmentos señalados, no hay gran cosa: se muestra, pero no se analiza en demasía el motivo de su presencia allí, la comparación con el pintor. Eso sí, los vasos comunicantes son obvios y el propio Dreyer los había señalado en varias ocasiones desde que empezara a servirle de inspiración en El presidente (1918).

Hay en ambos creadores, que al parecer no llegaron a conocerse personalmente, un gusto por la luz que llega al interior de las casas, de las habitaciones, para entrever, nunca ver del todo, su vida interior. Se iluminan o se esconden pequeños momentos, momentos íntimos y recogimiento, instantes en los que un personaje está de espaldas, escondiendo la carta que lee o las emociones que esa carta contiene. También aparece algún paisaje, urbano o natural, pero siempre aislado, como aislados, o ensimismados, están la mayoría de los personajes o espacios que se muestran. Uno de los mejores cuadros de la exposición, el que aquí se muestra, presenta cuatro habitaciones que se comunican a través de puertas entreabiertas y de las que apenas se adivina algo, con una voluntad clara de exaltar lo íntimo dejándolo oculto en su ámbito privado. Planos parecidos hay en casi todo Dreyer, especialmente en Gertrud.

Tanto en el director como en el pintor hay una predilección por la luz que se adentra en los lugares, como protagonista misma, una luz que evoca espiritualidad, misticismo o un misterio vinculado a la experiencia interior. Ello conduce a planos y a escenas en las que o bien la luz se adentra de improviso en un mundo de sombras privadas, o todo irradia claridad, pureza y desnudez de los espacios: las puertas de Hammershoi son igual de blancas que las puertas y paredes de muchas escenas de las películas de Dreyer, en las cuales, sobre todo si se aprecia en pantalla grande, el blanco es lechoso, casi de una pureza sobrenatural.

Para los que quieran adentrarse en estas relaciones, aún hay tiempo de visitar la exposición. También puede consultarse (en catalán) un interesante estudio colgado en la red por Carles Moreno en 2002 sobre las relaciones entre Dreyer y la pintura, especialmente con el pintor señalado en estas líneas.

Noticias: Le Giornate del Cinema Muto en Barcelona

Desde hace 25 años se celebran en el Friuli (Italia) unas jornadas dedicadas por completo al cine mudo, en la que, además de la proyección de ciclos dedicados a cinematografías, temas o cineastas de este período, se dan cita estudiosos y cinéfilos de todo el mundo para conocer el estado del trabajo de filmotecas y empresas dedicadas a la divulgación de DVDs y libros. Para mayor información sobre este evento de carácter anual es interesante un paseo por su web http://www.cinetecadelfriuli.org/gcm/

Para celebrar ese cuarto de siglo llega a la Filmoteca en Barcelona un interesantísimo ciclo con títulos de gran calibre, algunos disponibles en el mercado de los DVDs, pero otros de difícil acceso. Pero el resto de lo que sigue programado es más que apetecible.

• La corsa alla scimmia (Giovanni Pastrone, 1909)
• Tontolini non vuol farsi derubare (1911) y Polidor miope (1914) con Ferdinand Guillaume
• Cabiria (Giovanni Pastrone, 1914; versión sonorizada de 1931, a cargo del propio autor)
• Maciste (Vincenzo Denizot y Luigi Romano Borgnetto,
1915)
• Haevnens Nat (Benjamin Christensen, 1915)
• La guerra e il sogno di Momi (Segundo de Chomón,
1917)
• Vendémiaire (Louis Feuillade, 1918)
• Polidor cambia sesso (con Ferdinand Guillaume,
1918)
• Male and Female (Cecil B. DeMille, 1919)
• Midsummer Madness (William C. DeMille, 1920)
• Crainquebille (Jacques Feyder, 1922)
• Lights of Old Broadway (Monta Bell, 1925)
• Lulu (Segundo de Chomón, 1925)
• What Price Goofy? (Leo McCarey, 1926)
• Mighty Like a Moose (Leo McCarey, 1926)
• Mare Nostrum (Rex Ingram, 1926)
• Shestaiai Chast Mira (La sexta parte del mundo) (Dziga
Vertov, 1926)
• The Winning of Barbara Worth (Henry King, 1926)
• Exit Smiling (Sam Taylor, 1926)
• Fig Leaves (Howard Hawks, 1926)
• Chang (A Drama of the Wilderness) (Merian C. Cooper
y Ernest B. Schoedsack, 1927)
• Call of the Cuckoo (Clyde Bruckman, 1927)
• Ko-Ko the Kid (Max y Dave Fleischer, 1927)
• Ko-Ko’s Tattoo (Max y Dave Fleischer, 1928)
• Odinnadtsatyi (El año decimoprimero) (Dziga Vertov, 1928)
• Dressed to Kill (Irving Cummings, 1928)
• The Patsy (King Vidor, 1928)
• Underground (Anthony Asquith, 1928)
• Pass the Gravy (Fred L. Guyol, 1928)
• Redskin (Victor Schertzinger, 1929)
• The Shakedown (William Wyler, 1929)
• Prix de Beauté (Augusto Genina, 1930)

Se puede consultar la programación de este ciclo en el siguiente enlace: http://www20.gencat.cat/docs/CulturaDepartament/ICIC/Documents/Arxiu/061103programa%2020.pdf

Con motivo de este ciclo, analizaremos en este blog algunos de sus títulos más significativos.